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好莱坞之路-第222部分
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作为世界上最大的电影胶片生产商，从2004年至今，柯达电影胶片的销量下滑了足足百分之九十二。
即便墨菲本身也经常使用胶片拍摄，但他很清楚，数字技术完全取代胶片是不可逆转的趋势，剩余的只是时间问题。
尤其业内人士对几位好莱坞导演的努力并不太看好，表示这虽然能救得了柯达一时，但最终还是会被更加便捷的数字拍摄所取代，这只是时间问题，而对于年轻导演，胶片将会增加他们的拍摄成本，数字拍摄的方式比较适合。
当然，作为一个导演和电影爱好者，墨菲也不想看到电影胶片消失。
一股微弱的酸味，那是胶片的味道，一架能支起两个转盘的放映机，一本本圆圆的胶片盒，在一块白布的反射下，聚焦成光影……曾几何时，这就是墨菲对电影的所有记忆。
自从数字技术出现以来，胶片和数字技术孰优孰劣的争论就没停过，胶片的艳丽和数字的冷峻，形成了两种截然不同的美学。
数百年来，影像的世界一直是以胶片作为时间轴的，胶片见证了电影的发展史。但高速而先进的数字科技时代的到来，让那个手工放映、承载着无数温热回忆的胶片时代轰然崩塌。
坦白地讲，胶片的落寞是技术和经济共同作用的结果。
最近几十年来，电影产业的每一次革新，都是由一系列好莱坞主导的行业标准催生的。35mm、每秒24格、宽银幕技术、3D……无不如此。
不过，好莱坞片商喜欢数字电影，并非因为它影像上优于胶片，而在于其物美价廉。
想想看，一部90分钟的电影，胶片长度差不多3000米，需要五六个拷贝，每个拷贝重约25公斤，要挨个的影院人工递送。而数字电影，一个加密数字硬盘甚至一个U盘就够了，足不出户，通过卫星就能直接传输交付给影院。
再算笔账，制作胶片拷贝的成本高达2000美元以上，但是一个数字拷贝也就几百美元，在此种考量下，好莱坞乃至全世界的片商们会做出何种选择，也就不言而喻了。
只要技术的发展在继续，就总会有被淘汰的旧技术，但在一部分导演眼中，数字技术替代胶片本质上不是所谓进步，顶多是进步的幻象，他们认为胶片在色彩还原和饱和度依旧优于数字技术的时候，就被强行扫入博物馆和仓库，难免让人感到委屈。
剧组的胶片储存短缺的问题没有影响到拍摄，在盖尔·加朵联系到卡拉·费斯后，二十世纪福克斯动用了自己的库存储备，直接空运到巴黎足够的35MM胶片。
有二十世纪福克斯这样的大公司支持，像是筹备、拍摄和宣发过程中出现的很多问题，其实根本算不上问题。
如今的二十世纪福克斯凭借一体化战略，成为了好莱坞的领头羊之一，这包括横向和纵向两种向度。
一体化战略能够建立某种关联达到资源共享，实现协同作战作用，最终会降低成本，提高效益，新闻集团的传媒公司横跨广播、影视、报刊、出版社、因特网等，集团内各子公司拥有的优秀稿件统一调配，提供给在世界各地的子公司。
横向方面，二十世纪福克斯公司通过收购扩张，拥有福克斯有线电视，福克斯电视和福克斯新闻，福克斯音乐和福克斯电影公司。
纵向竞争方面，二十世纪福克斯公司并不仅仅是电影制作，更拓展出许多电影营销业务，又进一步从电影业务扩展出根据电影中任务场景搭建的主题公园、电影的DVD业务、互联网业务以及相关消费产品行业。
这些业务扩展使得企业的业务也更接近于最终的电影消费者。
像二十世纪福克斯这样广阔的平台是斯坦顿工作室完全无法比拟的，这种优势也不是短时间内建立的，而是经过了漫长的发展和积累。
哪怕是个傻子也知道，这个年代成立一家新的电影公司，单凭拍摄一些优秀的电影，就想压下好莱坞六大，成为行业的领跑者，那绝对不是痴人说梦。
那是精神有问题。
曾经的狮门影业凭借一系列大热电影短暂的辉煌过，似乎随时都会成为好莱坞第七大公司，但随后就陷入沉寂，也再次像外界显示出，好莱坞的新公司想要做到一线的地步，根本不是单单凭借电影就能够解决的。
随着二十世纪福克斯的35MM胶片空运到位，墨菲的剧组解决了最后的难题，拍摄有条不紊的进行，由于影片除了最后的影院爆炸戏外，基本不会有大场面，只要詹姆斯·弗兰科、克里斯托弗·瓦尔兹和玛格特·罗比等主要演员的状态有保证，拍摄就会顺利的进行，原本落后于计划的工作，到四月中旬的时候，也渐渐赶上了进度。
经过长达三个多月的拍摄，到四月下旬，剧组终于迎来了最后的戏份。
由于这场戏的场景与之前的拍摄没有任何重合，墨菲特别将影片的结尾放在了最后拍摄。
詹姆斯·弗兰科、克里斯托弗·瓦尔兹，以及克里斯托弗·瓦尔兹的替身模型都很快准备就绪，墨菲又一一验看过外景场地的布光、道具、背景和摄影机位，对一切都满意之后，下达了开始拍摄的命令。
这处幽静的小树林，迎来了小流氓和大流氓的超级对决。
墨菲对菲力·拉舍尔做了个手势，菲力·拉舍尔控制的主摄像机顺着滑轨移动到了詹姆斯·弗兰科和克里斯托弗·瓦尔兹的侧面。
虽然松树林外景地中有四名演员，但这无疑是詹姆斯·弗兰科和克里斯托弗·瓦尔兹的角色之间的正面交锋。
“尤特维奇和我听到了你与将军的对话，今晚将结束战争……”
詹姆斯·弗兰科一脸严肃的对有些抓狂的克里斯托弗·瓦尔兹说道，“我也愿意做这样的交易。”
克里斯托弗·瓦尔兹有了不好的感觉，再也不复之前的优雅，惊叫道，“你会受到惩罚的！”
“这是一笔非常好的交易。”詹姆斯·弗兰科根本不管他的话，自顾自地说道，“至于你提出的无耻要求，看在你愿意把纳粹高层一锅端的份上，我觉得是可以考虑的。”
克里斯托弗·瓦尔兹看着詹姆斯·弗兰科，仿佛看不透他下一步要做什么一般。
“当你得到美国政府给你提供的房产，你会脱下这身纳粹制服，是吗？”詹姆斯·弗兰科重复问道，“是不是？”
克里斯托弗·瓦尔兹没有回答，嘴角却抖动了一下。
“我也这么想！”詹姆斯·弗兰科渐渐流露出了一种大混蛋的气质，“这是我不能容忍的！”
他凑到克里斯托弗·瓦尔兹耳朵边，“如果我官运亨通，你这辈子别想脱下这身制服，但是我知道这不现实，你总要除下这身制服，所以……”
詹姆斯·弗兰科从腰上抽出刀子，“我要给你一个除不掉的纳粹标记！”
拍摄暂时结束，随后换上家人，詹姆斯·弗兰科在假人蒙着的头皮上，刻下了一个深深的纳粹标记。
《无耻混蛋》至此也结束了所有的拍摄工作，墨菲第二天就带着拍摄的胶片返回洛杉矶，开始进行后期制作。
第436章 世界上有三种电影
回到洛杉矶，短暂的休息过三天，墨菲就来到了二十世纪福克斯位于世纪城的一间后期制作室，开始《无耻混蛋》的后期工作。
后期制作同样需要多个部门和团队的协调，而这一切的基础无疑是剪辑，毫不夸张的说，墨菲乃至任何一个导演的拍摄，都是在为剪辑而服务。
这次，与墨菲合作剪辑的依然是乔迪·格里菲斯的剪辑小组。
在剪辑之前，确切点来说，早在撰写剧本的时候，墨菲已经有了非常明确的思路，昆汀·塔伦蒂诺的电影都会在剪辑上玩许多花招，尤其是那著名的章回体，墨菲虽然不是那种依赖于传统剪辑的导演，但与昆汀·塔伦蒂诺毕竟不同，这部影片必然不会使用章回体，他在剪辑中将大量使用平行蒙太奇，也就是说《无耻混蛋》最后的成片将会以多线叙事的形势呈现。
这一次后期制作，所有的工作都会围绕剪辑而进行，墨菲也为此做了精心的准备。
有人说“最好的剪辑是让人发现不了剪辑的痕迹。”
这个真的是对剪辑最大的误解，应该说让人发现不了的剪辑，是“让普通观众没有信息接受障碍”的剪辑，但并不是最好的剪辑，剪辑经过一百多年的发展，已经有多种审美标准和可能性了，内涵非常丰富。
当然，作为一部商业化的电影，而且尽可能面对大众影迷，墨菲必然要保持剪辑的流畅性。
非“让普通观众没有信息接受障碍”的剪辑，并不是故弄玄虚的卖弄技巧，更不是晦涩难懂。
想要保持大众可以接受的流畅剪辑，首要就是所有镜头确定合适的剪辑点。
剪辑点是两个镜头之间的转换点，包括声音或者画面，准确的掌握镜头的剪接点能保证镜头切换流畅，因此，剪辑点的选择，是墨菲和乔迪·格里菲斯视频粗剪最重要最基础的工作。
《无耻混蛋》所有镜头的剪辑点可以简单的分为两大类：第一类是画面剪接点、动作剪接点、情绪剪接点、节奏剪接点；第二类是声音剪接点，包括对白、音乐、音响效果剪接点。
一部影片，大多数剪辑都是围绕人物的动作来进行，这里的动作不是指打斗，而是角色的行为。
动作剪辑点是主体动作的连贯性，动作剪辑固然也是为了清楚的叙事服务，不过它更着眼于镜头外部动作的连贯，动作连贯性可以增加镜头间的流畅感。
墨菲和乔迪·格里菲斯对于动作剪辑点的选择相当重要，将直接影响到最后成片所能达到的效果。
《无耻混蛋》的粗剪，被墨菲和乔迪·格里菲斯分为了两部分。
第一步是拼，拼就是说利用一些镜头的组接产生不同的那种，给人不同的感觉。
然后第二步是剪，具体来说就是控制节奏，整个片子的这种节奏和情绪的东西。
在电影剪辑中，节奏是非常重要的，不过就墨菲在这部影片中使用的手法而言，一切还是要依附于故事情节和情绪，他和乔迪·格里菲斯一致认为，控制《无耻混蛋》节奏最重要的是情绪，情绪到这里它需要你怎么样，你再去做怎么样的变化或者处理。
剪辑过程中，墨菲希望自己尽量保持一种比较客观的状态，真的把自己当作一个观众，去真正去感受中间的各种的节奏和细节的变化、戏好不好看等等。
《无耻混蛋》适合于什么样，那他和乔迪·格里菲斯就用什么样的手法去剪，能够让观众看的时候能够入戏就行了。
依靠这些，墨菲和乔迪·格里菲斯花费近半个月的时间搞定了粗剪，接下来的精剪更为重要，将直接决定成片的质量。
从名字上面也能看出来，精剪远比粗剪要复杂。
墨菲要保证精剪足够紧凑，剪辑紧张但场面不过分简短，这意味着需要剪辑掉演员对话中不必要的停顿，缩短每句中间的空白部分，甚至可以减去冗长不重要的对话。
大部分电影观众集中注意力的时间一般不超过一百五十分钟，相当于一般主流商业电影的长度，墨菲和乔迪·格里菲斯完成的粗剪版本足有三百多分钟，需要在精剪中压缩到一百二十分钟左右，如果精剪完后电影长达两个半小时甚至更长，那就需要“动大手术”了。
与之前剪辑不同的是，墨菲的剪辑的同时，还使用了临时背景音乐作为辅助。
这种方式用在《无耻混蛋》这类特殊的影片身上可以，但绝不能作为剪辑的常态方式，一旦在剪辑中喜欢上临时音乐就很难再找到感觉不错的合适配乐，墨菲通常更愿意剪辑出有力的电影场面并通过适当编辑使它完美呈现，如果一个场景可以自己站得住脚，那配乐会锦上添花。
《无耻混蛋》只是这方面的一个例外。
精剪中，要顾及很多粗剪时难以顾及的方面，比如动作与画面配合协调，使用演员手势、道具、视线或者走位是剪辑方法之一，最好的方式是让情绪自然流露，或者剪出流畅的叙事节奏，技术上的剪辑反而不是关键。
剪辑的职责就是要能让观众融入到剧情当中。
拍摄中，有不少纯粹的动作镜头，很多动作场景，墨菲都使用移动镜头来拍摄，这些也需要通过精剪来处理。
移动镜头是拍摄动作戏份的主要方式，墨菲先后用了轨道摄影机、旋臂摄影机、摄影机稳定器和斯坦尼康，影片中的动作戏份必须要呈现出紧张的氛围，他和乔迪·格里菲斯在镜头运动时作剪辑，保证一个接一个的镜头都处于运动状态。
这样剪出的动作戏更为紧凑，让观众目不暇接。
这次拍摄，一些镜头墨菲使用了纯粹的单镜头拍摄，不过这只是一部分，其他的大多数场景，还是继续他一贯的风格，用多台摄像机多角度拍摄。
多角度拍摄的镜头剪辑到影片里，不能一直机械的切回到同样角度，或者重读不久前使用的同一系类镜位。
当然，像是阿尔多中尉和汉斯上校的一个对话场景中只有两个角度，难以避免重复剪辑。
这样的多角度镜头切换场景时，同样需要处理，墨菲都是三个一组，至少保持1。5到2秒也可更长。
比如索莎娜进入戈培尔的宴会厅，环顾四周的场景中，墨菲以三个为一组剪辑视点镜头，可以直观展示给观众主角所看到的整个场景，模仿真实的世界让观众身临其境。
在这些多角度镜头当中，演员的眼睛则是剪辑的重点所在，演员在电视上、电影中和舞台上都凭脸蛋吸引注意，但最重要的是演员的眼睛，当剪辑激烈的对话场景时，墨菲都非常注意演员的眼睛，他们是否传达出适当的情绪？对戏的演员反应如何？演员的表演决定这方面的剪辑。
有时候，墨菲更专注于传达对话的主要演员而剪掉其他人的反应。
这就是排除演员表演中的无关紧要的一些旁枝末节了。
墨菲喜欢紧凑的剪辑节奏，这点从最开始表现的就很明显，排除是保持节奏必须的。
大多数演员都表演夸张，超过合适的程度，演员会强调停顿、比脚本要求的增加更多错误、表现的更为口吃的时间更长，这时需要通过适当的剪辑使表演恢复正常，剪掉冗长动作和对白，使电影真实而不做作。
所以说，一个演员想要拿到表演奖，导演和剪辑师也是关键。
这些方式方法，都是为影片形成故事情节来服务的。
有人说世界上有三种电影：剧本型、拍摄型、剪辑型，无论剪辑哪一种类型时，都要高度注意故事脉络，不要害怕改变剧本或拍摄内容，只要是有意义为之。
墨菲一直在利用画面分镜剧本作记录从视觉上呈现出故事情节，这可以帮助乔迪·格里菲斯确定以最通顺的逻辑呈现故事给观众。
最后，墨菲要乔迪·格里菲斯做出自己的选择。
虽然两人合作多次，但肯定对一些情节和镜头有不同的看法，而且再成功的导演也需要出色的剪辑师的辅助，尤其往里面注入一些不同，以及校正导演所注意不到的错误。
电影向来是团队合作的产物，导演只是其中的舵手，其他环节出现问题，同样可能失败。
话说回来，这个世界上有不犯主观错误又注意不到的人吗？
想墨菲这样的导演不会在后期制作时回顾每一个取景镜头，而是根据乔迪·格里菲斯剪辑表演的版本进行修改，无论是否欣赏演员的表演。
如果他的确欣赏某一演员的不同的表演，会建议修改剪辑或从取景镜头找到合适部分。剪辑的场景越让人感觉焕然一新并呈现出最令人信服的效果，导演就会越认同剪辑师的技术。
这方面的工作，墨菲和乔迪·格里菲斯一直持续到了五月下旬，然后完成了精剪的第一版，后面还要耗费大量时间和精力继续修整，不过墨菲要暂时放下工作，以参加小罗伯特·唐尼一个极其重要的首映式。
第437章 惊奇的邀请
太阳已经挪到了西边，却依然灿烂，红地毯铺出了很远，以迎接参与首映式的主创人员和嘉宾，不仅仅是墨菲、詹姆斯·弗兰科、塞斯·罗根和乔纳·希尔等斯坦顿党徒悉数到齐，连盖尔·加朵、苏珊·唐尼也出现在了首映现场，詹姆斯·弗兰科更是带着十九岁的莉莉·柯林斯第一次现身公众场合。
这是惊奇系列的开篇大作，一度几乎要破产的惊奇漫画能走到今天，就连墨菲也认为他们相当不容易。
如果没有意外的话，一个属于惊奇的超级英雄的时代就要开启了。
“制作电影时，有时带点传奇人物的神秘性会很有趣。”
站在采访区里，小罗伯特·唐尼对记者侃侃而谈，“剧组选择霍华德·休斯过去的两个飞机棚当作摄影棚并不是巧合；斯坦·李先生当初创造男主角托尼·斯塔克时，其人物原型就是霍华德·休斯，所以电�
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