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鉴宝秘术-第1642部分
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其中有一副梵高的画，竟然是梵高临死前的最后一幅画。
这东西不止是艺术价值了，还有很高的收藏也研究价值。
在1890年的夏天，文森特？梵？高在巴黎郊外的田野里饮弹自尽。
他在当天早上画的这幅作品或许能告诉我们他当时的精神状态。
在巴黎以北几英里的瓦兹河畔有一个奥维尔村，这个名不见经传的小村子因为梵高而闻名于世。
在1890年7月27日，文森特？梵高走进了村子古堡后的那片麦田里，在胸部开枪自杀。
在此之前的18个月里，他饱受精神疾病的折磨，在1888年12月的一个晚上，生活在普罗旺斯阿尔勒的梵高用剃刀割下了自己的左耳。
在这件自残事件后，梵高时不时就会承受着身体和精神上的双重病痛，有时会持续几周，有时会持续几个星期。
在病发的间歇中，他从绘画中得到了暂时的平静和清醒。
在1890年5月时，梵高离开了普罗旺斯的阿尔勒东北部圣雷米精神病院，在oise村居住。
在他自杀前的这70多天里，是他艺术生涯中创作经历最旺盛的时期，他共完成了75幅油画和100多幅素描和速写。
除了病痛之外，他感到越来越孤单和焦虑，并觉得自己是一个彻头彻尾的失败者。
后来他从奥维尔的公寓房东那拿到了一把小手枪，这就是他在那个七月末的时候，带到田野中结束自己生命的那一把。
其实这把手枪只是一把袖珍的380口径的左轮手枪，火力很有限。
所以当梵高扣下扳机后，子弹击中了他的一根肋骨，并没有刺穿心脏，他倒下后不省人事。
当夜幕降临的时候，他醒来想要找到手枪继续开枪自杀，但是手枪已经不见了。
于是他只得摇摇晃晃的走回了旅馆，有人为他叫来了医生。
第二天他的弟弟提奥赶到了，提奥一度以为哥哥能够康复。
但最终梵高的生命在夜晚到来时一起消逝了，年仅37岁。
“我一直陪在他的身边，直到最后一刻来临。”提奥在写给妻子乔的信中写道：“他最后说的一句话是‘我就是想这样离开’。他用了一会儿才说完这句话，说完后他终于在永眠中找到了生前从未有过的安宁。”
虽然并没有梵高确诊精神疾病的资料，但多年以来人们对他的精神疾病有着各种各样的猜测，有人说他有癫痫病，有人他是精神分裂，有人说他酗酒，还有人说他是边缘性人格障碍。
不管怎样，在梵高自杀的那片田野中真的发现了一把手枪，这把手枪已经在地面上静静的躺了50到80年，很有可能就是梵高自杀用的那一把。
在这幅画的旁边，还有一封此前已经有广泛媒体报道的信件。
这封信是曾在阿尔勒医治过梵高的医生felirey写的，其中包括一张简图，来呈现梵高的哪一部分耳朵被切除。
在此前传记作家们一直在争论梵高是切下了自己的整个左耳还是只切除了耳垂。
这封信是由独立研究员bernadettemurphy发现的，当时她在研究撰写新书《梵高的耳朵：真实的故事》。
通过这封信，可以证明梵高切下的是自己的整个左耳。
严格来说，这幅画其实是一幅一米多未完成的作品，名为《树根》。
梵高在7月27日的早上还在画这件作品，正是在他自杀前的几个小时。
这幅画成为了梵高最后的遗作。
第一眼看上去，这幅作品几乎是抽象的。
我们怎样才能读懂他那些张扬而肆意的蓝色、绿色以及黄色笔触？那些裸露出的树根，纵横的树枝，交错的树冠纠缠在一起，似乎是生命在蓬勃生长，而黄色的沙土则像要马上将之吞噬。
在画面的左上角有一小块天空，似乎给马上就要窒息的画面带来了一丝喘息的机会。
艺术史学家martinbailey，在将要出版的书籍《南方的工作室：梵高普罗旺斯》，一书中写道：“树木的上半部分被切除了，这一种构图方式很不寻常，但在梵高很喜欢的日本浮世绘中是常见的。”
还有一点让人无法忽视的是，就在画了这幅作品的几小时之后，梵高开枪结束了自己的生命。
那么这幅画作品能不能为我们了解他当时的精神状态提供一些线索呢？
当然，这幅作品显得无比躁动不安，画面中充满了情绪的跌宕起伏。
bailey谈到：“从这幅作品中你能感受到梵高正在病发时，遭受精神疾病的折磨。”
画作的主题《树根》也是很重要的线索。
几年前，梵高就研究过树根，在给弟弟提奥的信中他提到，树根代表着生命的挣扎。
在他离世前不久，他在给提奥的另一封信中写道，自己的生命“正在遭受最根本的攻击”。
那么梵高所画的《树根》是在做最后的道别吗？
这个问题，恐怕除了梵高自己外，再也不可能会有人知道了。
但是这幅作品无疑在痴迷于梵高作品的那些人心目中，应该是绝对价值连城的东西。
张天元笑了笑，将梵高的这幅作品直接据为己有了。
要知道，相对于那些西洋的雕像，陶器，金银器皿而言，油画可以说是西洋古董里皇冠上的明珠，甚至可以说是西洋古董里的王者。
当然，不是因为它就一定比那些东西更好，关键在于油画是被西方艺术界最为任何的一种艺术形式。
说直接一点，那就是油画更值钱，更被认可，更容易卖出去。
简直就像美金在世界货币中的地位一样，可以说成是硬通货也没有任何问题。
在很多人看来，和充斥着泡沫的中国当代艺术以及真假难辨的中国书画相比，已经在市场沉淀了几个世纪，价钱不会大起大落，并且收藏历史有迹可循的西方油画，显然更具有收藏价值。
目前在西方的艺术品市场，最夺人眼目的是印象派及战后艺术。
美国需要弱化欧洲古典艺术，同时强化从塞尚到毕加索乃至当代的新兴艺术，才能树立自己的艺术帝国霸主地位。
第三四零二章 西方艺术品的硬通货（）
从另外的角度来看，战后艺术的屡创天价，某种程度也是一种金融行为。
艺术品有时是一种金融工具，要找新的爆发点去推动才能带来高额利润。
战后和当代艺术主要属于投资冒险板块，如果选得准，带来的投资回报率可以是几十倍、上百倍，但这注定是少数人才能从事的行为。大众比较容易受报道的影响，以为那些‘天价’就是艺术市场的全部。
而其实，西方更大比例的艺术品市场属于经典艺术。
欧美人买这部分艺术品不是为了投资，而主要是为了家居装饰、为自己的心灵而买。
这个板块没有天价，它有非常稳定的价格和藏家基础。
无论是中产阶层还是贵族都有能力介入。
最能被人接受的，当然就是卖的最好的，这可能跟好坏都没关系了。
油画在市场上，不仅保值，而且值钱，除非西方社会全部倒了。
因此拿这些东西，对张天元来说，那绝对是非常划算的一件事儿。
梵高的画三幅，达芬奇的画一幅。
达芬奇这个人有多么神奇，就不用去介绍了，这家伙一直都被认为是现代穿越过去的，简直是历史上集大成者的一个全才。
张天元弄到的这幅画，是达芬奇的《圣子与圣安妮》。
他一直以为这幅画在巴黎卢浮宫呢，很多媒体上也这么报道，可是再三鉴定之后，他完全可以确认，这里的这幅是真迹。
巴黎卢浮宫究竟有没有这幅画，那他就不得而知了。
《圣母子与圣安妮》高约168。4厘米，长129。9厘米，背面由4块白杨木板组合而成，并由2根横梁固定。
在这里，画家让圣母马利亚坐在她母亲的膝上，外祖母圣安妮虽然也很年轻，但仍感到圣母的身躯太大些，她难以承受如此重量。
可是圣安妮脸上展现的笑容，是对着眼前那个顽皮的小外孙——耶稣（耶稣正从母亲的手中挣脱下来，想要骑在羔羊身上）而发出的，马利亚倒象坐在安乐椅上那样，毫不介意地伸手要去抱耶稣。
这种情绪传递是不很协调的，人物尽管处理得紧凑，却并不显得自然生动。
圣家族这一类圣经题材，在宗教壁画中是最常用的，因人而异，画家们各有自己的表现特色。
达·芬奇在这一幅油画上的重点是放在圣安妮这一形象上，尤其是精心刻绘她的脸部表情。
尽管这里再一次暴露出他的女性的微笑公式，为达·芬奇的现实主义的美学最高理想，他几乎象对待自然界一切未知之谜一样地去追求它。
甚至就连这幅画后面藏着的三幅素描竟然也一起带着。
第一幅素描是一个马头，位于左边的第二块木板，高约18厘米，长10厘米，素描中马鬃毛散乱，口鼻大张，仿佛咬住了什么东西，整幅构图不禁让人想起达·芬奇创作的一幅壁画《安吉里之战》，后者取材于15世纪佛罗伦萨和米兰之间的战争，其中就有两匹战马互相撕咬的情景。
第二幅素描位于左边的第三块木板上，画的是一个头骨的侧面，其中包括眼眶的空洞、一部分鼻腔和半个下颌骨，而且还有牙齿。
比起前两幅素描，第三幅素描显得十分模糊，它位于最靠右边的木板，画的是圣婴的半身像。
图中的圣婴头转向右侧，正在与怀中的小羊羔玩耍，这幅素描与《圣母子与圣安妮》中的圣婴形象非常接近，仿佛是正面油画的草稿。
研究人员表示，这一发现具有非常的意义，因为极少有画家在画的背面作画，而对达·芬奇的作品来说更是绝无仅有。
他们表示将继续对该画进行研究，以判断这三幅素描是否真的出自达·芬奇之手。
张天元真想告诉他们不用继续研究了，这三幅素描就是达芬奇的，这家伙向来都有这种特立独行的做法，早就见怪不怪了。
取下这幅画，张天元正准备再把莫奈的那两幅画弄到手就走人了。
此时影子屋里面已经装满了东西，虽然这博物馆里还有很多好玩意儿没有拿。
不过人嘛，总是要知足的呀。
再说他就算想拿，现在也拿不走了。
咦？
这怎么还有一幅画！
取下《生子与圣安妮》的时候，他发现这幅画的背后，竟然还卡着一幅画。
这应该也是达芬奇的，看到这幅画，让张天元不由想到了一件事情。
2014年10月，瑞士警方在图尔吉市一处私人银行的保险柜中查获了一幅油画，而它很可能是出自达芬奇之手的真迹，此前已经失踪数百年，价值无法估量。
这幅油画长61厘米，宽46。5厘米，是一位贵妇的肖像画，她身着黑红相间的华丽衣裳，并且头顶王冠。
根据记载，如果此画确为达芬奇所绘，那么画中的女人应该是意大利文艺复兴时期的女侯爵德埃斯特，创作时间为公元1500年前后。
瑞士检查机关表示，发现油画的银行属于一个意大利家族，其成员长期居住在意大利南部和瑞士的德语区。
2013年8月，这幅油画通过非法交易途径进入瑞士，当时的售价为9500万欧元（约合人民币6。71亿元）。
不久之后，此画的价值迅速攀升至1。2亿欧元（约合人民币8。47亿元），更有媒体报道称其价值高达数亿欧元。
据悉，当时油画的买家已经对画作进行过鉴定，认为此画的创作时间应在公元1460—1650年之间，排除了现代仿品的可能，同时也与达芬奇生活的年代重合。
但此画是否就是达芬奇所绘，还有待进一步确定。
瑞士官方消息称，目前此画被保存在一个“安全的地方。”
安全你妹啊！
张天元不由撇了撇嘴。
这也要安全？
还不是被这帮龟儿子给弄到手，然后还藏在这里，真够隐秘的啊。
嘿嘿，不过这样也好，东西我张天元就笑纳了。
这可是价值接近十亿人民币的名作啊，就算自己不收藏，以后真缺钱了，拿出去卖了那也是稳赚不赔啊。
拿了这幅画之后，张天元又将莫奈的两幅画摘走。
莫奈是法国最重要的画家之一，印象派的理论和实践大部分都有他的推广。
莫奈擅长光与影的实验与表现技法。
他最重要的风格是改变了阴影和轮廓线的画法，在莫奈的画作中看不到非常明确的阴影，也看不到突显或平涂式的轮廓线。
第三四零三章 完美劫案（）
光和影的色彩描绘是莫奈绘画的最大特色。
他是印象主义的创始人之一，是印象主义大师中最有影响的一位。
在有代表性的印象派画家中，唯有莫奈以其86岁的漫长人生始终如一的将创作热情倾注在印象派技法上。
其他的印象派画家，都是短期的探索者。
像虽然没有参加过印象派八次画展却被视为印象派的领袖和奠基人的画家马奈，而擅长于画人物的雷诺阿在他的艺术人生中，前期和后期是从事印象派探索时期，中间十几年的时间里，则将热情转向了古典主义。
1874…1886年间，巴黎举办了八次印象派画展，毕沙罗参加了每一次画展，他曾说：“我的一生与印象主义的是完全符合的。”
而莫奈第五、六次和最后一次均未参加展出。
由于在这三次展览中的作品已经有悖于原来的创作手法。
为了坚持信仰，莫奈拒绝参加展览以示反抗。
这是他始终如一的坚持印象派信条的表现，也是莫奈在印象派中影响力最大的一个原因。
莫奈常常可以从普通的风景中挖掘其魅力。
他观察景物细致入微，对光线的变化十分敏锐。
他可以就同一处场景画出十几幅作品。
如《草垛》《睡莲》等。
而这仅仅是为了表现同一场景的不同天气、光线下的不同表象，这是其他画家很难做到的。
莫奈像个隐士，有时有很强的孤独感。
这一方面由于他的性格使然，他生性沉默寡言，喜爱思索：另一方面，因为他是印象派中的先行者，当他不得不单枪匹马奋力前行的时候，自然有一种寂寞寥落的感觉。
张天元搜刮到的这两幅莫奈的话，一幅是《圣日尔曼·俄塞罗瓦教堂》。
这幅画对于莫奈未来风格的发展具有更大的意义。
此画是他从罗浮宫的一个阳台上画的，这幅画是要表现树叶上的反光。
并排的笔触生动地表现了空气的振动，依靠这些笔触的结合而取得了绿黄色的光和绿黑色的影的生动效果。
这里的用笔方法已经是印象主义的了，但色彩还不够透明，甚至蓝色的阴影也还是浑浊的；它们画得就像是黑色。
教堂和房子在颤动的树叶相比之下显得过于密集了。
画中没有整体的形象，但树叶的画法却给我们透露出一点莫奈的色彩理想来。
另外一幅是《穿绿衣的女士卡美伊》。
这幅肖像引起了争论，但总的说来是成功的；有人甚至把它同马奈的肖像画相媲美。
这幅肖像充分显示出了莫奈的个性：他对造型的淡漠态度，以及这个女人的动势和她的裙子上颤动的光都赋予整幅画特殊的说服力；由此而产生了一种动力感和生动性。
这里的画面基本上是根据一幅照片安排的，这说明莫奈并不介意使构图服从了自然景物的偶然性。
照片本来也该使莫奈想到空间的深远效果的，然而，莫奈对此也并未介意。
但这幅油画缺乏色调效果：光线和阴影落在了人物所占据的同一个平面上，因此，光线不能渗透人体，不能成为形的实体。
大片固有色起了过多的作用。
所有这些合在一起，与其说是真实表现了所见的事物，不如说是一种公式，但这种公式正是一个空前大胆的纲领。
这一纲领的公式化一旦消失，光线便将渗入中间调子，生命也将渗透每一个笔触，而整体的统一也就将要形成，那时，艺术就会变得花团锦簇，印象主义就要完全成熟了。
虽然这两幅画都是莫奈不算成熟的作品。
但大师的东西就是大师的东西，莫奈的画有多值钱，张天元可是很清楚的。
2014年5月6日，在洛克菲勒中心举行的纽约佳士得“印象派及现代艺术晚间拍卖”专场（包括埃德加·布朗夫曼家族珍藏）中，一位中国买家通过电话委托方式以2700万美元（含佣金）的价格拍走莫奈的名画《睡莲》。
《华尔街日报》5月8日报道，鉴于这幅画属于莫奈最著名的系列画�
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